El comienzo de la televisión en España
https://www.youtube.com/watch?v=sVpaFZPlKpE
viernes, 8 de diciembre de 2017
10. EL NODO
Antes de cada representación se proyectaba el NO-DO
https://www.youtube.com/watch?v=7pIOAK_HoT4
https://www.youtube.com/watch?v=7pIOAK_HoT4
jueves, 7 de diciembre de 2017
9. BIENVENIDO Mr. MARSHALL
Bienvenido, Mister Marshall es una película
española de 1953, dirigida por Luis García Berlanga.
El tráiler de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos
Ficha
Título original: ¡Bienvenido, Míster Marshall!
Año: 1953
País: España
Director: Luis García Berlanga
Guión: Juan Antonio Bardem, Miguel Mihura y Luis García Berlanga
Música: Jesús García Leoz
Productora: UNINCI
Género: Comedia - Sátira
Actores:
Antecedentes:
En 1950 el gobierno estadounidense inició un proyecto económico para ayudar a reconstruir Europa después de la guerra. Se trataba del Plan Marshall. Todos los países querían el dinero de los americanos.
Argumento
La película se rueda en Villar del río, un pequeño y tranquilo pueblo español. El gobierno avisa al alcalde que vendrá un comité estadounidense que decide donde van a parar las ayudas.El pueblo comienza los preparativos para impresionar a los visitantes. El empresario les convence para transformar en pueblo en andaluz, pensado que eso gustará a los americanos. Se les ocurre vestir trajes típicos andaluces, que no es normal y cambiar todo el pueblo. Incluso contratan a un cantaor flamenco.El día de la visita de los americanos todo está preparado, pero los coches pasan a toda prisa sin pararse. Y, simplemente, todos se quitaron los trajes y las decoraciones y volvieron a su vida normal. Y entre todos pagaron todos los gastos que se habían hecho.
Otros datos
En realidad no existe Villar del Río, la película se rodó en Guadalix de la Sierra, provincia de Madrid.Lo más destacable de la película es su crítica a la situación política y económica de España en la época del rodaje. Fue la primera película que logró superar la censura. Algunos dicen que los censores no se dieron cuenta de la crítica social porque también criticaba a las personas de color. Otros, que dejaron publicar la película para demostrar que eran gente abierta.
El tráiler de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos
Ficha
Título original: ¡Bienvenido, Míster Marshall!
Año: 1953
País: España
Director: Luis García Berlanga
Guión: Juan Antonio Bardem, Miguel Mihura y Luis García Berlanga
Música: Jesús García Leoz
Productora: UNINCI
Género: Comedia - Sátira
Actores:
- José Isbert que hace de Don Pablo, el alcalde
- Lolita Sevilla que hace de la folclórica Carmen Vargas
- Manolo Morán que hace de Manolo, el representante de Carmen Vargas
- Y muchos más.
Antecedentes:
En 1950 el gobierno estadounidense inició un proyecto económico para ayudar a reconstruir Europa después de la guerra. Se trataba del Plan Marshall. Todos los países querían el dinero de los americanos.
Argumento
La película se rueda en Villar del río, un pequeño y tranquilo pueblo español. El gobierno avisa al alcalde que vendrá un comité estadounidense que decide donde van a parar las ayudas.El pueblo comienza los preparativos para impresionar a los visitantes. El empresario les convence para transformar en pueblo en andaluz, pensado que eso gustará a los americanos. Se les ocurre vestir trajes típicos andaluces, que no es normal y cambiar todo el pueblo. Incluso contratan a un cantaor flamenco.El día de la visita de los americanos todo está preparado, pero los coches pasan a toda prisa sin pararse. Y, simplemente, todos se quitaron los trajes y las decoraciones y volvieron a su vida normal. Y entre todos pagaron todos los gastos que se habían hecho.
Otros datos
En realidad no existe Villar del Río, la película se rodó en Guadalix de la Sierra, provincia de Madrid.Lo más destacable de la película es su crítica a la situación política y económica de España en la época del rodaje. Fue la primera película que logró superar la censura. Algunos dicen que los censores no se dieron cuenta de la crítica social porque también criticaba a las personas de color. Otros, que dejaron publicar la película para demostrar que eran gente abierta.
Finalmente, España no recibió ninguna ayuda del Plan Marshall.Tanto Berlanga como Bardem cobraron 25000 pesetas por la redacción del guion.Cada uno de los niños que aparecen cobraba 25 pesetas por día de rodaje. Son 25 céntimos de ahora, pero entonces esos niños trabajaban todo el día recogiendo patatas para ganar 18 pesetas.Bienvenido, Mister Marshall es considerada una obra maestra. En el Festival Internacional de Cine de Cannes (Francia) obtuvo dos premios: Mejor Comedia y Mención Especial por el guion.
La escena del pregón
Una de las escenas
destacables es el discurso que el alcalde da desde el balcón del Ayuntamiento.
Se trata de una actuación divertidísima en la que repiten todo el tiempo las
mismas frases sin decir nada concreto. El pregón iniciado con la frase:
"Como alcalde vuestro que soy os debo una explicación, y esa explicación
que os debo os la voy a pagar", que se repite varias veces, ha pasado a
ser una de las citas míticas del cine español. Tan célebre es la frase que,
desde 2011, se ha inmortalizado la figura de Pepe Isbert con una escultura en
el mismo lugar del balcón del ayuntamiento de Guadalix de la Sierra desde donde
se pronunció en la película.
El surealista discurso que da el alcalde, en el que solamente una voz se alza en contra del recibimiento
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY
La canción estrella de la banda sonora, que resume el film
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY
La canción estrella de la banda sonora, que resume el film
domingo, 3 de diciembre de 2017
8. EL CINE ESPAÑOL
En cuanto al cine de nuestro país, veamos la primera grabación que se conoce. Se trata de un documental grabado por Eduardo Gimeno Corral en con una cámara Lumiere en Zaragoza
https://www.youtube.com/watch?v=xQ-EITxFhDw
En España también se hizo cine mudo:
https://www.youtube.com/watch?v=ITRfgYdPGLc
Estos son algunos de los actores de esa época:
https://www.youtube.com/watch?v=lDv-HquNkMs
Ahora veamos un documental que resume la evolución del cine español desde el final de la guerra civil (1939 hasta hoy)
https://www.youtube.com/watch?v=QJcn__hkwUg
La aparición del sonoro provoca desorientación en la industria cinematográfica española, que, incapaz de adaptarse con rapidez a los adelantos técnicos, queda por un tiempo paralizada. Se produce en este momento una importante emigración a Hollywood. Entre esos profesionales figuraban Benito Perojo, Jardiel Poncela y Edgar Neville.
Después la dictadura franquista marcó la evolución del cine nacional. Se creó la Junta Superior de Censura Cinematográfica, que obligaba a quienes quisieran realizar una película a presentar previamente el guion y después la película, pues ésta debía ajustarse a "la exaltación de los valores raciales y la enseñanza de nuestros principios morales y políticos".
La Censura revisaba todas las películas y los carteles de cine para eliminar las escenas que consideran inmorales por ejemplo las chicas con escote o los besos en la boca. Hoy en día es algo ridículo. También eliminaban escenas que hablaban de revolución o de libertades, porque en esa época no había. He aquí algún ejemplo:
https://www.youtube.com/watch?v=2lfGye38Vyw
https://www.youtube.com/watch?v=4YY3MLRNUbg
En la película Casablanca
https://www.youtube.com/watch?v=yayv6_8mwl4
En la película Mogambo
https://www.youtube.com/watch?v=TpMH41QKgMM
De esta época son el cine folclórico que todos nuestros abuelos conocen
https://www.youtube.com/watch?v=esJhrxbfuUM
Y también las famosas coplas que todavía se cantan hoy en día
https://www.youtube.com/watch?v=wij4sxhUwHU
Gracias al ingenio y el saber hacer de nuestros cineastas se realizaron grandes cintas. Autores como Juan Antonio Bardem Muerte de un ciclista (1955) o Luís García Berlanga Bienvenido Mr. Marshall (1952) y El verdugo (1963).
El trailer de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos
El surealista discurso que da el alcalde, en el que solamente una voz se alza en contra del recibimiento
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY
La canción estrella de la banda sonora, que resume el film
https://www.youtube.com/watch?v=umwVxAs11Zc
En la década de 1960 aparece el llamado nuevo cine español, con realizadores como Carlos Saura, Mario Camus, Manuel Summers, Miguel Picazo, Fernando Fernán Gómez…
La década de 1970 se caracterizó por las comedias populares comerciales, todo un subgénero bautizado como 'destape'. Una vez reinstaurada la monarquía, el cine se liberaliza y toca temas que en el franquismo estaban prohibidos.
Para ampliar información:
Polémica sobre la primera grabación
http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/salida-de-misa-de-doce-del-pilar-de-zaragoza-la-fraudulenta-creacion-de-un-mito-franquista--0/html/ff9e4f02-82b1-11df-acc7-002185ce6064_6.html
Cine español durante la II República (1931-1936)
https://www.youtube.com/watch?v=Q9JHvnJctlE
https://www.youtube.com/watch?v=xQ-EITxFhDw
En España también se hizo cine mudo:
https://www.youtube.com/watch?v=ITRfgYdPGLc
Estos son algunos de los actores de esa época:
https://www.youtube.com/watch?v=lDv-HquNkMs
Ahora veamos un documental que resume la evolución del cine español desde el final de la guerra civil (1939 hasta hoy)
https://www.youtube.com/watch?v=QJcn__hkwUg
La aparición del sonoro provoca desorientación en la industria cinematográfica española, que, incapaz de adaptarse con rapidez a los adelantos técnicos, queda por un tiempo paralizada. Se produce en este momento una importante emigración a Hollywood. Entre esos profesionales figuraban Benito Perojo, Jardiel Poncela y Edgar Neville.
Después la dictadura franquista marcó la evolución del cine nacional. Se creó la Junta Superior de Censura Cinematográfica, que obligaba a quienes quisieran realizar una película a presentar previamente el guion y después la película, pues ésta debía ajustarse a "la exaltación de los valores raciales y la enseñanza de nuestros principios morales y políticos".
La Censura revisaba todas las películas y los carteles de cine para eliminar las escenas que consideran inmorales por ejemplo las chicas con escote o los besos en la boca. Hoy en día es algo ridículo. También eliminaban escenas que hablaban de revolución o de libertades, porque en esa época no había. He aquí algún ejemplo:
https://www.youtube.com/watch?v=2lfGye38Vyw
https://www.youtube.com/watch?v=4YY3MLRNUbg
En la película Casablanca
https://www.youtube.com/watch?v=yayv6_8mwl4
En la película Mogambo
https://www.youtube.com/watch?v=TpMH41QKgMM
De esta época son el cine folclórico que todos nuestros abuelos conocen
https://www.youtube.com/watch?v=esJhrxbfuUM
Y también las famosas coplas que todavía se cantan hoy en día
https://www.youtube.com/watch?v=wij4sxhUwHU
Gracias al ingenio y el saber hacer de nuestros cineastas se realizaron grandes cintas. Autores como Juan Antonio Bardem Muerte de un ciclista (1955) o Luís García Berlanga Bienvenido Mr. Marshall (1952) y El verdugo (1963).
El trailer de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos
El surealista discurso que da el alcalde, en el que solamente una voz se alza en contra del recibimiento
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY
La canción estrella de la banda sonora, que resume el film
https://www.youtube.com/watch?v=umwVxAs11Zc
En la década de 1960 aparece el llamado nuevo cine español, con realizadores como Carlos Saura, Mario Camus, Manuel Summers, Miguel Picazo, Fernando Fernán Gómez…
La década de 1970 se caracterizó por las comedias populares comerciales, todo un subgénero bautizado como 'destape'. Una vez reinstaurada la monarquía, el cine se liberaliza y toca temas que en el franquismo estaban prohibidos.
Para ampliar información:
Polémica sobre la primera grabación
http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/salida-de-misa-de-doce-del-pilar-de-zaragoza-la-fraudulenta-creacion-de-un-mito-franquista--0/html/ff9e4f02-82b1-11df-acc7-002185ce6064_6.html
Cine español durante la II República (1931-1936)
https://www.youtube.com/watch?v=Q9JHvnJctlE
7. EL ACORAZADO POTEMKIN
El acorazado
Potemkin es una película basada en hechos reales, acaecidos en el
puerto de Odesa durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del
acorazado Potemkin, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer
alimentos en mal estado, deciden sublevarse.
Es una película del género dramático, triste y patética. La idea de
fondo es el poder de las masas (toda la gente a la vez). El director quiere conseguir
que los espectadores piensen sobre el tema.
Este
film está compuesto de cinco episodios:
Hombres
y gusanos
Drama
en el Golfo TendraEl muerto clama
La escalera de Odesa
Encuentro con la escuadra
La escena de la escalera
La escena de la escalera es una
de las más famosas en la historia del cine. Se ve como los soldados disparan
contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos para acabar con el
apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala
mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la
madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se
enfrenta a los soldados.
Audiovisual del Acorazado
Potemkin
La película ha tenido una gran
influencia en la cultura y el cine posterior. Muchos autores o cineastas la han
realizado una escena parecida en honor a esta película.
Final de El padrino III de Francis Ford Coppola
https://youtu.be/B0UdgzZ3g_U
Los intocables de Eliot Ness de Brian de Palma
https://youtu.be/3iH2zicdPdA
Agárralo como puedas 33 1/3 de
E incluso en Los Simpson en dos escenas. Una con Homer rescatando al bebé y otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.
Aquí un audiovisual con muchas de las escenas homenaje y la película de la cual proceden
https://www.youtube.com/watch?v=yH1tO2D3LCI
6. LOS ORÍGENES DEL CINE EN OTROS PAÍSES
Hemos hablado del cine en Estados Unidos, pero no podemos olvidar que el cine nació en Europa, con la sesión de imágenes en movimiento que los Lumiére dan en el Gran Café de París, en 1895.
Aquí, en Europa los cineastas se centraron en usar el cine como arte, por ello dio pie a películas surrealistas y técnicas experimentales y vanguardistas que son un poco lentas y aburridas para verlas.
Los americanos hicieron películas sencillas que tuviesen muchos espectadores y fuesen buen negocio.
Veamos algunos casos de cada país.
Cine soviético
De la primera generación de directores soviéticos destacan Eisenstein (autor de El Acorazado Potemkin u Octubre) y Vertov, quien se dedica sobre todo al cine documental propagandístico, siendo un modelo para posteriores documentalistas europeos y norteamericanos.Expresionismo alemán
Las películas del Expresionismo tienen un marcado tono metafísico, reivindicando claramente lo gótico y lo romántico.Muchos de estos directores, como Fritz Lang, B. Wilder, o F. Zinnemann acaban en Hollywood haciendo cine negro, al que incorporan una herencia cultural propia muy concreta.
Una de las películas más características de esta tendencia fue El Gabinete del Doctor Caligari (1919) de R. Wienne.
El cine europeo a partir de los años 40
La Nouvelle vague francesa
En 1958 irrumpen los directores de la llamada Nouvelle vague. François Truffaut (Los cuatrocientos golpes, 1959; Fahrenheit 451, 1966). Jean-Luc Godard (Al final de la escapada, 1959), Claude Chabrol, Louis Malle, Eric Rohmer, Alain Resnais (Hiroshima, mon ameur, 1959)… son algunos de los nombres más célebres.Neorrealismo italiano
A finales de la década de 1940, en Italia, el cine experimentó un renacimiento. Con la aparición del Neorrealismo el cine italiano logró captar la atención mundial y dio a conocer al gran público a varios de los principales directores italianos.Visconti, autor de obras como Rocco y sus hermanos, partía de unos planteamientos más estéticos introduciendo un aliento poético en la realidad.
En la década de los cincuenta la tradición neorrealista siguió conservándose en autores como Pier Paolo Pasolini con El evangelio según San Mateo (1964) y Federico Fellini, con La dolce vita (1960) u Ocho y medio (1963).
Ya en los años setenta el cine italiano de Bernardo Bertolucci, autor Novecento (1976). Y la evolución de los viejos cineastas con Visconti en Muerte en Venecia (1971); Fellini con Roma (1972) y Amarcord (1973).
El cine británico. El Free cinema
Dada la proximidad cultura e idiomática de Gran Bretaña con Hollywood, éste fue el país europeo que más dejó sentir la influencia del gigante americano en su cinematografía. El trasvase de actores, directores y guionistas fue constante.Actores británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda Jackson, Richard Harris, Peter O'Toole, Alec Guinness o Vanessa Redgrave se hicieron muy populares.
lunes, 6 de noviembre de 2017
5. CINE SONORO (1930-1949) (1945-1970)
El sistema de
estudios
Como ya hemos comentado en Estados Unidos vieron el cine
como un negocio que podía aportar beneficios económicos. Les interesaba tener
muchos espectadores. Y para ello necesitaban rodar muchas horas. Por ello trasladaron a
Hollywood los estudios, ya que el clima es mejor.Durante los años 30 y 40, será la época dorada de Hollywood, se forjará un sistema de estudios (empresas que controlan todos los aspectos de la produccion cinematográfica)
El primer estudio surge en 1908, cuando diez importantes fabricantes de equipos cinematográficos se unieron para formar la Motion Picture Patents Company (MPPC). Arpovecharon que eran fabricantes para pedir pagos a los cineastas y a los cines.
A partir de ese momento comienzan a surgir las grandes empresas cinematográficas. Ya en la primera década del siglo XX se fueron fundando las más importantes empresas de cine estadounidenses:
- Universal Pictures
- Fox Film Corporation (después conocida como la 20th Century Fox)
- United Artists
- Warner Bros.
- Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
- Columbia
- Paramount
- RKO
Poco a poco crecen al unirse a otras empresas para controlar todo el rodaje, la distribución y la exhibición.
La consolidación de estos núcleos empresariales permitió que los años 30 se convirtieran en la época dorada de los grandes estudios.
Durante este periodo, la industria cinematográfica norteamericana dominó el panorama mundial gracias a las grandes cantidades de dinero que eran invertidas en cine.
El control de la
producción
En alguna ocasión una película fuera de los
estudios llegaba a los cines, como pasó con el productor y director David O.
Selznick, que logró sacar adelante Lo que el viento se llevó a través de
su propia productora independiente.El declive del sistema de los grandes estudios
En las décadas de 1950 y 1960 el sistema decayó con la llegada de la televisión, era gratis y estaba en las casas. Así que las productoras se adaptaron a realizar series y películas de peor calidad para la tele.
4. LA TRANSICIÓN DEL CINE AL MUNDO SONORO (1927-1928)
El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro.A finales de los años 20 llegó el cine sonoro.
La primera película sonora fue El Cantor de Jazz, de Alan Crossland. El 6 de octubre de 1927 los espectadores pudieron oir al actor Al Jolson cantando.
La productora Warner Bros estaba arruinada cuando hizo esta película, pero gracias a ella resurgió.
Al principio los críticos pensaban que el sonido quitaba realismo y expresión a los planos, pero pronto se impuso porque las historias eran más fáciles de entender.
Muchos de los actores del cine mudo fueron despedidos por no tener una voz bonita, o un acento adecuado. Otros tuvieron que aprender a vocalizar correctamente.
https://www.youtube.com/watch?v=psua6GZAgcc
Hubo muchos cambios técnicos, se pasó a rodar en 24 fotogramas por segundo, así que hubo que invertir en cámaras nuevas. Que además tenían que ir muy bien sincronizadas entre la imagen y el sonido.
Los guionistas pasaron a tener mucha importancia, porque se oían los diálogos. Muchos estudios contrataron periodistas o escritores famosos.
AUDIOVISUAL: "CHARLOT, MÚSICO AMBULANTE" O "EL VAGABUNDO"
Esta película muda estadounidense fue escrita, producida,
dirigida y protagonizada por Charles Chaplin. Se estrenó en 1916
Ficha
técnica
Duración 26 min.
País Estados Unidos
Director Charles Chaplin
Guion Charles Chaplin
Montaje
Charles Chaplin
Fotografía William C. Foster, Roland Totheroh
Reparto Vagabundo Charles Chaplin
Chica Edna Purviance
Pintor Lloyd Bacon
Productora
Lone Star Corporation / Mutual FilmGénero
Género Comedia / Cortometraje
Argumento
Charlot
es un vagabundo que toca el violín en la calle a cambio de unas monedas. Comienza
huyendo de un bar porque unos músicos querían las monedas que consiguió.
Charlot,
a continuación, rescata a una guapa chica que vivía con sus parientes gitanos
que la maltratan, y ambos escapan juntos.
Charlot la cuida muchísimo,
la limpia y cocina para ella. Días después, un pintor se fija en la belleza de
la chica y le hace un retrato. Charlot se siente celoso por ello, pero se
aguanta.
En una exposición del
pintor, una millonaria reconoce en el retrato a su hija, secuestrada cuando era
una niña. El pintor la conduce hasta donde acampan los vagabundos y se la lleva
con ella, quedando Charlot desolado. Aunque por poco tiempo, pues, por
insistencia de la joven, regresan por él.
Podéis ver la película con subtítulos en:
Curiosidades históricas
La bella actriz Edna
Purviance y Charlot se conocieron en 1915, cuando Chaplin buscaba una primera
actriz. Fueron pareja sentimental entre 1915 y 1917 (aunque posteriormente esta
relación continuaría de manera intermitente por varios años, según se cree).
Charlot se presentó a un
concurso de imitaciones y ¡perdió!
Charles Chaplin era mu popular,
había infinidad fans “Chaplinistas”. Tantos imitadores llevaron a que se cree
un concurso nacional en Estados Unidos en el que se premiaba a quien mejor
realizara la imitación. Durante uno de sus viajes a San Francisco a Chaplin le
llegó la noticia de uno de éstos concursos, y seducido por la idea se inscribió
de inmediato. Increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera
ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda.
martes, 24 de octubre de 2017
AUDIOVISUAL: GLADIATOR
Gladiator
Ficha técnica y artística
- Género: Acción / Drama / Romanos- Nacionalidad: Gran Bretaña / USA
- Año: 2000
- Director: Ridley Scott
- Actores principales: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, Richard Harris, Derek Jacobi, Djimon Hounsou y David Schofield.
- Productores: David H. Franzoni, Branko Lustig y Douglas Wick
- Guión: David H. Franzoni
- Fotografía: John Mathieson
- Música: Hans Zimmer y Lisa Gerrard
- Galardones principales: 5 Oscar, 4 BAFTA y 2 Globos de Oro.
Análisis histórico - Contexto
La película está
ambientada en la Roma Imperial, arrancando en el final de la vida del Emperador
Marco Aurelio, con su victoria sobre los marcomanos cerca de Vindobona (año 180
d.C.); y muestra a continuación cómo su hijo, Cómodo, se convierte en el nuevo
emperador. Con el emperador Cómodo comienza la época de decadencia conocida
como Bajo Imperio.
El personaje protagonista, Máximo, y todo lo
que a este rodea, no existió en la realidad. Máximo, nacido en Emerita Augusta
(actual Mérida) según la película, es sin embargo un personaje totalmente
ficticio, aunque encarne unos valores muy repetidos en la tradición romana.
La figura de Cómodo, está bastante bien
retratada, prácticamente lo tacha de loco. Cómodo pretende desmantelar el
Senado para hacerse con todo el poder.
Es cierto el hecho de que Cómodo bajaba a la arena. El
emperador, haciendo honor a su título de “Hércules Romano” gustaba de
participar en las luchas de gladiadores para mostrar su fuerza (lo que no sabemos
es si eran injustas, tal como se muestra en la película).
En el “Making of” de Gladiator su
director explica que quieren enseñar la colosal Roma de un modo muy creíble,
buscando “mostrar la grandeza de Roma y a la vez su corrupción y decadencia”,
los dos emperadores de la película son de algún modo la encarnación de estas
dos ideas. Marco Aurelio se nos quiere comparar al emperador filósofo, el de la
templanza y el buen gobierno y su hijo Cómodo con el emperador gladiador, de la
locura y el descontrol.
Un aspecto aspectos muy bien caracterizado en la película es
el ejército romano, del que se nos muestran destacamentos de infantería y
caballería, armas de corto y largo alcance, máquinas de guerra, jerarquía de
los mandos... con las características que podemos observar en cualquier libro
de historia militar romana.
Localización y efectos especiales
La tecnología es un elemento que hay que tener en cuenta a la hora de comparar
Gladiator se filmó en tres localizaciones
distintas: La primera de ellas fue el bosque inglés de Farhnam, donde se recreó
la batalla con los germanos del principio de la película, que en realidad tuvo
lugar en la actual Austria. El circo provinciano se creó en Marruecos, cerca de
un poblado cuya arquitectura facilitó mucho el trabajo del equipo. Finalmente,
la Roma Imperial fue recreada en Malta, una isla que conserva numerosos restos
romanos, pero hubo que realizar un ingente trabajo para los decorados,
especialmente con el Coliseo.
Sin embargo, la informática aportó mucho a estos escenarios, especialmente al último, y la mayor parte de los edificios de los fondos en Roma no son reales. El Coliseo, por su parte, se recreó en un tamaño muy inferior al que luego se le dio gracias a los ordenadores, que además convirtieron los 2.000 extras de las gradas en los más de 50.000 que cabrían en el edificio original.
Sin embargo, la informática aportó mucho a estos escenarios, especialmente al último, y la mayor parte de los edificios de los fondos en Roma no son reales. El Coliseo, por su parte, se recreó en un tamaño muy inferior al que luego se le dio gracias a los ordenadores, que además convirtieron los 2.000 extras de las gradas en los más de 50.000 que cabrían en el edificio original.
http://blogs.vandal.net/48283/vm/23003912122006
domingo, 8 de octubre de 2017
3. LAS PELÍCULAS MUDAS
3.1 Cine mudo estadounidense
En Estados Unidos se entendió el cine como un
medio artístico de expresión e industria de los medios de comunicación. Los
productores americanos darían un mayor metraje (duración) a las primeras películas
desarrolladas a partir del cinematógrafo. Además de una mayor libertad
artística a directores, autonomía a los primeros actores y actrices en cuanto a
creación de papeles interpretativos. Como novedad se introdujo los nombres de
los actores en los títulos de crédito. Como resultado siguió un periodo de
expansión económica y artística en el cine de este país.
D.W.Griffith
Audiovisual: Griffith, el padre del cine moderno
El cineasta más influyente del periodo mudo
en la naciente industria estadounidense fue el productor y director David Wark
Griffith que en 1908 desarrolló la producción desde los estudios Biograph en
Nueva York. Es considerado el padre de la sintaxis cinematográfica moderna por
ser el inventor de las siguientes técnicas:
- El flash-back
- El acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios y primeros planos).
- El uso intencional de la profundidad de campo, planos paisajísticos de larga duración.
- La técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna víctima inocente).
- Utiliza la iluminación con fines dramáticos
- Hace desenfoques creativos. Fade-in y fade-out
Volveremos a todas estas técnicas más
adelante.
En 1915 comenzó a trabajar en “el nacimiento
de una nación” película de 12 bobinas (dura más de tres horas). Es considerada
como la primera obra maestra del cine. Es una mezcla espera de emoción, acción,
combate y drama humano.
Audiovisual: Como se hizo el nacimiento de
una nación
Audiovisual: El nacimiento de una nación
(1915) de D.W. Griffith
https://www.youtube.com/watch?v=YisiBXOWM8Y
El traslado a Hollywood
Entre 1915 y 1920 las grandes salas de cine
proliferaron por todo el territorio americano. Hollywood sería la llamada meca
del cine, donde productores y cineastas independientes como Cecil B. De Mille o
Mack Jennet construyeron sus propios estudios. Se produjeron cientos de películas
como respuesta a la demanda de las salas. La mayoría eran westerns, comedias de
tortazos y resbalones y melodramas.
En este entorno surge un nuevo cómico británico
cuyo nombre artístico era Charlie Chaplin.
Audiovisual The Blacksmith (Full) - El Herrero (1922)
Charlie Chaplin
Charles Spencer Chaplin era un cómico genial,
éxito y leyenda comprende el dlenguaje audiovisual y taquillas.
Fue la primera estrella internacional y una
leyenda viva desde su juventud, rompiendo con cada nueva producción los récords de
taquilla anteriores. El personaje del vagabundo Charlot mezclaba de una forma única
la comedia y la crítica social y el patetismo de la naturaleza humana.
Su personaje fue creciendo a lo largo de sus
películas: El vagabundo (1915); Vida de perros (1918), El chico (1921), y La Quimera
de oro (1925). Y El gran dictador (1940), primer filme hablado de Chaplin, una
oportuna burla de los dictadores de aquella época
Audiovisual: mejores escenas de El chico
Audiovisual: El chico
Audiovisual: Tiempos modernos
Audiovisual El vagabundo
Audiovisual: Escena del gran dictador
Audiovisual: Escena final del gran dictador
Búster Keaton
Joseph Francis Keaton nació en 1895, en (Kansas),
falleciendo en Hollywood en 1966. Hijo de dos cómicos ambulantes. Apareció en
escena cuando sólo contaba un año de edad.
En sus obras realizó bromas inolvidables que
siguen gustando a cuantos las ven. Combinaba su rostro serio, con su cuerpo
capaz de hacer cualquier acrobacia, realizando así situaciones divertidas,
alocadas y a menudo absurdas.
Algunas de sus películas son verdaderas obras
maestras, como El maquinista de la General (The General, 1927)
Audiovisual Cops (1922)
Audiovisual The Blacksmith (Full) - El Herrero (1922)
Audiovisual: El maquinista de la general
https://www.youtube.com/watch?v=xcjqowD8EOY
Audiovisual: algunas de sus mejores escenas
https://www.youtube.com/watch?v=_J8XM1_rOTg
Audiovisual: algunas de sus mejores escenas
https://www.youtube.com/watch?v=_J8XM1_rOTg
PREGUNTAS TIPO TEST PARA EL EXAMEN
¿Qué es una cámara oscura?
Una caja cerrada con un
pequeño agujero que proyecta en la pared opuesta la imagen del exterior.
Un
instrumento óptico que permite proyectar imágenes
¿Cómo funcionan las sales de plata?
Se oscurecen con la luz y
así fijan las imágenes.
Hacen que la gente se
quede quieta y salga bien en la foto
¿Cuál es la fotografía más antigua que se
conserva?
“Vista desde la ventana en Le Gras", hecha por Niepce en 1826
“Vista de una estación de
tren”, hecha por Lumière en 1901
¿Qué es el daguerrotipo?
Un proceso por el que se
fijan imágenes en una placa de plata
Un aparato que imprime
imágenes
¿Cómo se tomaban fotografías a color?
Al principio se coloreaban
hasta que Kodak desarrollo la técnica a color
Siempre han sido a color,
porque se hacen de la realidad
¿Qué es la persistencia de la visión?
Si vemos 16 imágenes por segundo parecen una escena continua
Mirar una imagen mucho tiempo y que se quede grabada en la retina
¿Qué es el zootropo?
Un aparato con dibujos y ranuras que al girar permiten ver imágenes en
movimiento.
Un aparato que se usa en el zoo para grabar a los animales.
2. EL NACIMIENTO DEL CINE. PRIMEROS EXPERIMENTOS.
Orígenes
Tanto en Estados Unidos como en Europa se animaban imágenes dibujadas a mano como forma de diversión y juguete elitista.
Se descubrió que, si vemos una secuencia 16
imágenes por segundo nuestro ojo las percibe como una sola imagen visual, móvil
y continua. Este hecho se denomina persistencia de la visión. Un ejemplo es
hacer dibujos en el borde de una libreta y pasar las hojas rápidamente.
El zootropo.
El zootropo es un aparato que consta de una
serie de dibujos impresos en modo horizontal en bandas de papel, colocados en
el interior de un tambor giratorio montado sobre un eje. A la mitad del cilindro una serie de ranuras
verticales, por las cuales se mira, permiten que al girar el aparato se
perciban imágenes en movimiento.
Audiovisual: el zootropo
Ampliación: se puede construir un zootropo
Hacia 1852 las fotografías comenzarían a
sustituir a los dibujos en el zootropo y a medida que la velocidad de los
fotogramas aumentó fue posible generar un movimiento real en vez de simple
sensación de movimiento.
En 1877 el
fotógrafo angloestadounidense Edward Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de
movimientos del galope de un caballo. Pretendían comprobar si levantaba las
cuatro patas del suelo a la vez. Pero lo que consiguieron fue una sucesión de
imágenes que transmitían movimiento.
Audiovisual
Muybridge
Thomas Alva Edison
Sobre 1890 Thomas Alva Edison construye el
primer laboratorio dónde se realizarían experimentos sobre imágenes en
movimiento y el primer estudio de cine del mundo. Allí se patentó el
kinetoscopio, el primer reproductor de cine.
El cinematógrafo o kinetoscopio
El cinematógrafo, patentado por Edison en
1891, tenía unos 15 metros de película en un bucle interminable que el
espectador —individual— tenía que ver a través de una pantalla de aumento. El
artefacto, que funcionaba depositando una moneda, no puede considerarse por
tanto un espectáculo público, y quedó como una curiosidad de salón que en 1894
se veía en Nueva York, y antes de finalizar ese año, en Londres, Berlín y
París.
Los hermanos Lumière
Audiovisuales sobre los hermanos Lumiere
Se oye bien y es muy completo.
El 28 de diciembre de 1895, los franceses
Luis y Augusto Lumiere desarrollaron el cinematógrafo. Se trata de un invento
que era al mismo tiempo una cámara, una copiadora y un proyector.
Rodaron una serie de cortometrajes de género
elemental: obreros saliendo de una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar
y un jardinero regando el césped, un tren correo avanzando hacia el espectador,
lo que causaba gran impresión en el público asistente. Estos cortometrajes
causarían una enorme impresión en los primeros espectadores del nuevo arte.
Varios cortos encadenados: Salida de una fábrica
en Lyon. Llegada de un tren. Desayuno de niños. Pelea de niños. Demolición de
un muro.
El regador regado
Las películas de una bobina: Georges Méliès y Edwin J
Porter
Georges Méliès
Un paso gigante tanto técnica como el
lenguaje visual lo daría en 1896 el ilusionista francés Georges Méliès. Demostró
que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino también podía
interpretarla; exponiendo pues el enorme potencial narrativo del nuevo medio. En
“Viaje a la luna”, corto de 1902 experimentaría las posibilidades de los trucos
de la cámara de cine.
Méliès descubrió que, deteniendo la cámara en
mitad de una toma y recolocando entonces los elementos de la escena antes de
continuar, se podía, por ejemplo, hacer desaparecer objetos. Del mismo modo,
retrocediendo la película unos cuantos centímetros y comenzando la siguiente
toma encima de lo ya filmado, lograba superposiciones, exposiciones dobles y
disoluciones (fundidos y encadenados, como elemento de transición entre
distintas escenas). Sus cortometrajes fueron un éxito inmediato de público y
pronto se difundieron por todo el mundo. Aunque hoy en día parecen trucos
ridículos, son los orígenes de un arte.
Audiovisual Viaje a la Luna:
Edwin J Porter
El inventor americano Edwin J Porter unió el
estilo documentalista de los hermanos Lumière y las fantasías teatrales de Melie.
Porter produjo la
primera película estadounidense interesante, Asalto y robo de un tren, en 1903.
Esta película, de 8 minutos, influyó de forma decisiva en el desarrollo del
cine porque fue la primera que tuvo montaje de escenas filmadas en diferentes
momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Al hacer esto, Porter
inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso
en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o
disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente.
Se llama nickelodeones
a las pequeñas salas de cine, que aparecieron en Estados Unidos, donde el cine
comenzó a surgir como industria.
La mayoría de las
películas, de una sola bobina, de la época eran comedias breves, historias de
aventuras o grabaciones de actuaciones de los actores teatrales más famosos del
momento.
AUDIOVISUAL: Asalto y robo de un tren
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