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domingo, 25 de febrero de 2018

16. ¿CÓMO SE HACE UNA PELÍCULA?


Para rodar una película hay tres fases: preproducción, producción y postproducción.

Preproducción: es la preparación
Guion: lo primero es tener una idea y escribirla.
Casting: lo siguiente es conseguir los actores que harán los papeles principales.
Otras gestiones: buscar donde rodar, contratar a los trabajadores, preparar el orden de grabación, conseguir dinero.

Producción: es el rodaje
Hay que hacer todos los rodajes como estaban planeados para gastar menos tiempo y dinero.
Intervienen muchísimos trabajadores.
Las escenas no se ruedan en el mismo orden de la película. Se ruedan según el sitio en que estén (Por ejemplo: rodar todas las escenas de playa el mismo día). O según la luz que haya: ruedan todas las escenas nocturnas la misma noche.
Las escenas se repiten una y otra vez hasta que el director está satisfecho con la toma.

Postproducción: cuando ya está todo grabado
Estudio de montaje: se seleccionan, manipulan y ordenan las escenas y secuencias más adecuadas.
Efectos de sonido: se le añade la banda sonora (música) y los ruidos pasos, motor de coche, un portazo, el viento. También las voces del narrador o cuando alguno piensa. A veces se vuelve a grabar solo el sonido de los actores leyendo el diálogo.
Promoción: se empieza a hacer publicidad en televisión, carteles, trailers en internet.
Distribución: las empresas hablan con los cines para que proyecten su película. Cuanta más gente la vea más dinero ganan. Si te gusta mucho además te compras una camiseta o un dvd. Eso también es dinero para los productores. se llama Merchandising.

Algunos autores llegan a distinguir cinco fases: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución.

15. QUIERO SER COMO BECKHAM

Ficha técnica

País: Gran Bretaña               Año de estreno: 2002
Dirección Gurinder Chadha
Guión original Gurinder Chadha, Guljit Bindra, Paul Mayeda Bergers
Género Comedia
Premios: 1 galardón en los premios Bafta 2003 (Mejor Película Británica); Premio de la Audiencia, Golden Wave a las dos actrices protagonistas y Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional “Mujeres en el Cine” de Burdeos 2002; Premio a la Mejor Comedia Británica 2002; Premio del Círculo de Críticos de Londres a Keira Knightley como Mejor Actriz Revelación, entre otros.

Actor  -  Personaje
Parminder Nagra es Jesminder (Jess)
Keira Knightley es Jules
Jonathan Rhys-Meyers es Joe
Shaheen Khan  es la Sra. Bahmra
Anupam Kher  es el Sr. Bahmra
Archie Panjabi es Pinky
Frank Harper es Alan
Juliet Stevenson es Paula
Ameet Chana es Tony

Sinopsis (Resumen)
La familia de Jesminder es de la India y la educa para que cumpla con las tradiciones de una mujer en su cultura. Pero ella vive en Londres, dentro de una sociedad más libre. Jess quiere jugar al futbol, le gusta y se le da bien.
Su amiga Jules la ayuda a que entre a jugar en un equipo femenino. Es una gran oportunidad, pero esto choca con su familia que quiere que busque un novio y se case según las costumbres hindúes. Para poder jugar tiene que mentir a su familia.


¿De qué trata la película en realidad?
Se nota que la directora de la película es una chica porque trata temas que afectan a las chicas.

1.- Roles de género. Jesminder, por ser chica tiene que casarse y ser ama de casa. Su propia familia, incluso su madre, sus amigos todos le piden que sea tradicional. Como ella se niega piensan que es lesbiana. Sin embargo, nadie piensa que Tony sea gay, porque los chicos hindúes son “muy hombres”. 
Cada vez somos más tolerantes y más igualitarios, pero hay lugares o culturas como los gitanos, los musulmanes o los hindúes que todavía ven a las mujeres como un ser que tiene que no pueden decidir lo que ellas quieren.

2.- Discriminación. Al final su padre accede a que Jess juegue porque le parece mal que algunos compañeros la rechazan por ser hindú. La película también habla de la discriminación por ser hindú. Porque hoy en día todavía hay personas que juzgan la raza y el aspecto en lugar de ver la persona que se esconde tras esa piel.

3.- Choque generacional. La peli también refleja como los jóvenes buscan su camino. Y se enfrentan a sus padres y a la sociedad establecida, que siempre está evolucionando.

Para saber más

https://es.wikipedia.org/wiki/Bend_It_Like_Beckham

http://www.cmpa.es/datos/2351/quiero_ser_como_Beckham_3934.pdf


domingo, 11 de febrero de 2018

14. LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

Ficha técnica

Nacionalidad: España              
Año de estreno: 1999.
Director: José Luis Cuerda.
Guión: Rafael Azcona, José Luis Cuerda, Manuel Rivas.
Fotografía: Javier G. Salmones.
Música: Alejandro Amenábar.

Reparto (Actores)

Fernando Fernán Gómez es Don Gregorio el maestro.
Manuel Lozano es el niño, se llama Ramón, pero le llaman Moncho o Gorrión.
Uxía Blanco es la madre de Moncho.
Gonzalo Uriarte es el padre de Moncho
Jesús Castejón es D. Avelino el cura, que representa al poder de la Iglesia Católica.
Tucho Lagares es el alcalde que representa al poder de los políticos.
Alexis de los Santos (Andrés)
Guillermo Toledo (O’lis)
Elena Fernández (Carmiña)
Tamar Novas (Roque)
Tatán (Roque Padre)
Celso Parada (Macías)

Sinopsis (Resumen)

Cuenta la historia de Moncho, un niño normal. Vive en Galicia en 1936, justo en la Guerra Civil Española. Al principio, Moncho tiene miedo de ir al colegio porque ha escuchado que los profesores pegan a los alumnos. Pero descubre que Don Gregorio su maestro es amable. Le gusta enseñar y tratar igual a todos sus alumnos.
Moncho aprende mucho. Los dos se hacen muy amigos. Su profesor le regala una red para cazar mariposas. Y le enseña que la Lengua de las Mariposas se llama espiritrompa.  
España está en guerra y gana el bando Nacional, los de derechas. Así que Don Gregorio y el padre de Moncho tienen problemas, porque sus ideas son del bando republicano.

¿De qué trata la película en realidad?

En España gobernaba la Segunda República, una época de libertad en que las mujeres pueden votar y la educación llega a todos los niños. Pero en julio de 1936 el ejército inició una rebelión contra el gobierno. Ellos y las clases poderosas querían conservar sus privilegios y la República quería que todas las personas tuvieran los mismos derechos.En la película están representadas las clases poderosas: el cura, el alcalde y el guardia civil. Las personas de mente abierta como el maestro. Y también los trabajadores humildes como la familia de Moncho.Al final Don Gregorio sigue fiel a sus ideas y se lo llevan para matarlo. Sin embargo, el padre de Moncho, que también es republicano, miente para seguir junto a su familia y protegerlos.Así que hablamos de ideales y de responsabilidad con la familia. Moncho se está haciendo mayor. Ha aprendido muchas cosas de la vida gracias a Don Gregorio y a sus amigos, pero esta situación le hace perder su inocencia y ver todo lo malo del mundo.

Para saber más

viernes, 8 de diciembre de 2017

11. ORÍGENES DE LA TELEVISIÓN

El comienzo de la televisión en España
https://www.youtube.com/watch?v=sVpaFZPlKpE

10. EL NODO

Antes de cada representación se proyectaba el NO-DO
https://www.youtube.com/watch?v=7pIOAK_HoT4

jueves, 7 de diciembre de 2017

9. BIENVENIDO Mr. MARSHALL

Bienvenido, Mister Marshall es una película española de 1953, dirigida por Luis García Berlanga. 

El filme es una crítica de la sociedad española y estadounidense de la época.


El tráiler de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos 

Ficha
Título original: ¡Bienvenido, Míster Marshall!
Año: 1953
País: España
Director: Luis García Berlanga
Guión: Juan Antonio Bardem, Miguel Mihura y Luis García Berlanga
Música: Jesús García Leoz
Productora: UNINCI
Género: Comedia - Sátira
Actores:
  • José Isbert que hace de Don Pablo, el alcalde
  • Lolita Sevilla que hace de la folclórica Carmen Vargas
  • Manolo Morán que hace de Manolo, el representante de Carmen Vargas
  • Y muchos más. 

Antecedentes:
En 1950 el gobierno estadounidense inició un proyecto económico para ayudar a reconstruir Europa después de la guerra. Se trataba del Plan Marshall. Todos los países querían el dinero de los americanos.

Argumento
La película se rueda en Villar del río, un pequeño y tranquilo pueblo español. El gobierno avisa al alcalde que vendrá un comité estadounidense que decide donde van a parar las ayudas.El pueblo comienza los preparativos para impresionar a los visitantes. El empresario les convence para transformar en pueblo en andaluz, pensado que eso gustará a los americanos. Se les ocurre vestir trajes típicos andaluces, que no es normal y cambiar todo el pueblo. Incluso contratan a un cantaor flamenco.El día de la visita de los americanos todo está preparado, pero los coches pasan a toda prisa sin pararse. Y, simplemente, todos se quitaron los trajes y las decoraciones y volvieron a su vida normal. Y entre todos pagaron todos los gastos que se habían hecho. 

Otros datos
En realidad no existe Villar del Río, la película se rodó en Guadalix de la Sierra, provincia de Madrid.Lo más destacable de la película es su crítica a la situación política y económica de España en la época del rodaje. Fue la primera película que logró superar la censura. Algunos dicen que los censores no se dieron cuenta de la crítica social porque también criticaba a las personas de color. Otros, que dejaron publicar la película para demostrar que eran gente abierta.
La película también critica el imperialismo de los Estados Unidos. Se ve claro en la escena de la bandera estadounidense hundiéndose en la acequia, que escandalizó durante su proyección en Cannes. Y en los sueños de los habitantes del pueblo.

Finalmente, España no recibió ninguna ayuda del Plan Marshall.Tanto Berlanga como Bardem cobraron 25000 pesetas por la redacción del guion.Cada uno de los niños que aparecen cobraba 25 pesetas por día de rodaje. Son 25 céntimos de ahora, pero entonces esos niños trabajaban todo el día recogiendo patatas para ganar 18 pesetas.Bienvenido, Mister Marshall es considerada una obra maestra. En el Festival Internacional de Cine de Cannes (Francia) obtuvo dos premios: Mejor Comedia y Mención Especial por el guion.

La escena del pregón

Una de las escenas destacables es el discurso que el alcalde da desde el balcón del Ayuntamiento. Se trata de una actuación divertidísima en la que repiten todo el tiempo las mismas frases sin decir nada concreto. El pregón iniciado con la frase: "Como alcalde vuestro que soy os debo una explicación, y esa explicación que os debo os la voy a pagar", que se repite varias veces, ha pasado a ser una de las citas míticas del cine español. Tan célebre es la frase que, desde 2011, se ha inmortalizado la figura de Pepe Isbert con una escultura en el mismo lugar del balcón del ayuntamiento de Guadalix de la Sierra desde donde se pronunció en la película.


El surealista discurso que da el alcalde, en el que solamente una voz se alza en contra del recibimiento
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY

La canción estrella de la banda sonora, que resume el film



domingo, 3 de diciembre de 2017

8. EL CINE ESPAÑOL

En cuanto al cine de nuestro país, veamos la primera grabación que se conoce. Se trata de un documental grabado por Eduardo Gimeno Corral en con una cámara Lumiere en Zaragoza
https://www.youtube.com/watch?v=xQ-EITxFhDw

En España también se hizo cine mudo:
https://www.youtube.com/watch?v=ITRfgYdPGLc
Estos son algunos de los actores de esa época:
https://www.youtube.com/watch?v=lDv-HquNkMs

Ahora veamos un documental que resume la evolución del cine español desde el final de la guerra civil (1939 hasta hoy)
https://www.youtube.com/watch?v=QJcn__hkwUg


La aparición del sonoro provoca desorientación en la industria cinematográfica española, que, incapaz de adaptarse con rapidez a los adelantos técnicos, queda por un tiempo paralizada. Se produce en este momento una importante emigración a Hollywood. Entre esos profesionales figuraban Benito Perojo, Jardiel Poncela y Edgar Neville.

Después la dictadura franquista marcó la evolución del cine nacional. Se creó la Junta Superior de Censura Cinematográfica, que obligaba a quienes quisieran realizar una película a presentar previamente el guion y después la película, pues ésta debía ajustarse a "la exaltación de los valores raciales y la enseñanza de nuestros principios morales y políticos".
La Censura revisaba todas las películas y los carteles de cine para eliminar las escenas que consideran inmorales por ejemplo las chicas con escote o los besos en la boca. Hoy en día es algo ridículo. También eliminaban escenas que hablaban de revolución o de libertades, porque en esa época no había. He aquí algún ejemplo:
https://www.youtube.com/watch?v=2lfGye38Vyw
https://www.youtube.com/watch?v=4YY3MLRNUbg
En la película Casablanca
https://www.youtube.com/watch?v=yayv6_8mwl4
En la película Mogambo
https://www.youtube.com/watch?v=TpMH41QKgMM

De esta época son el cine folclórico que todos nuestros abuelos conocen
https://www.youtube.com/watch?v=esJhrxbfuUM

Y también las famosas coplas que todavía se cantan hoy en día
https://www.youtube.com/watch?v=wij4sxhUwHU

Gracias al ingenio y el saber hacer de nuestros cineastas se realizaron grandes cintas. Autores como Juan Antonio Bardem Muerte de un ciclista (1955) o Luís García Berlanga Bienvenido Mr. Marshall (1952) y El verdugo (1963).
El trailer de Bienvenido Mr. Marshall
https://www.youtube.com/watch?v=5rJ7YDQZfos
El surealista discurso que da el alcalde, en el que solamente una voz se alza en contra del recibimiento
https://www.youtube.com/watch?v=DuY93g2vJaY
La canción estrella de la banda sonora, que resume el film
https://www.youtube.com/watch?v=umwVxAs11Zc

En la década de 1960 aparece el llamado nuevo cine español, con realizadores como Carlos Saura, Mario Camus, Manuel Summers, Miguel Picazo, Fernando Fernán Gómez… 

La década de 1970 se caracterizó por las comedias populares comerciales, todo un subgénero bautizado como 'destape'. Una vez reinstaurada la monarquía, el cine se liberaliza y toca temas que en el franquismo estaban prohibidos.

Para ampliar información:
Polémica sobre la primera grabación
http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/salida-de-misa-de-doce-del-pilar-de-zaragoza-la-fraudulenta-creacion-de-un-mito-franquista--0/html/ff9e4f02-82b1-11df-acc7-002185ce6064_6.html

Cine español durante la II República (1931-1936)
https://www.youtube.com/watch?v=Q9JHvnJctlE




7. EL ACORAZADO POTEMKIN


El acorazado Potemkin es una película basada en hechos reales, acaecidos en el puerto de Odesa durante la semana del 26 de junio de 1905. Los marineros del acorazado Potemkin, hartos de malos tratos y de verse obligados a comer alimentos en mal estado, deciden sublevarse.
Es una película del género dramático, triste y patética. La idea de fondo es el poder de las masas (toda la gente a la vez). El director quiere conseguir que los espectadores piensen sobre el tema.
Este film está compuesto de cinco episodios:
    Hombres y gusanos
    Drama en el Golfo Tendra
    El muerto clama
    La escalera de Odesa
    Encuentro con la escuadra

La escena de la escalera

La escena de la escalera es una de las más famosas en la historia del cine. Se ve como los soldados disparan contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos​ para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los soldados.

Audiovisual del Acorazado Potemkin

La película ha tenido una gran influencia en la cultura y el cine posterior. Muchos autores o cineastas la han realizado una escena parecida en honor a esta película.
En especial han imitado la escena de la escalera de Odesa. Aquí vemos varios casos.

Final de El padrino III de Francis Ford Coppola
https://youtu.be/B0UdgzZ3g_U

Los intocables de Eliot Ness de Brian de Palma
https://youtu.be/3iH2zicdPdA


Agárralo como puedas 33 1/3 de Peter Segal

E incluso en Los Simpson en dos escenas. Una con Homer rescatando al bebé y otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie. 

Aquí un audiovisual con muchas de las escenas homenaje y la película de la cual proceden
https://www.youtube.com/watch?v=yH1tO2D3LCI

6. LOS ORÍGENES DEL CINE EN OTROS PAÍSES


Hemos hablado del cine en Estados Unidos, pero no podemos olvidar que el cine nació en Europa, con la sesión de imágenes en movimiento que los Lumiére dan en el Gran Café de París, en 1895.

Aquí, en Europa los cineastas se centraron en usar el cine como arte, por ello dio pie a películas surrealistas y técnicas experimentales y vanguardistas que son un poco lentas y aburridas para verlas.


Los americanos hicieron películas sencillas que tuviesen muchos espectadores y fuesen buen negocio. 

Veamos algunos casos de cada país. 

Cine soviético

De la primera generación de directores soviéticos destacan Eisenstein (autor de El Acorazado PotemkinOctubre) y Vertov, quien se dedica sobre todo al cine documental propagandístico, siendo un modelo para posteriores documentalistas europeos y norteamericanos.

Expresionismo alemán

Las películas del Expresionismo tienen un marcado tono metafísico, reivindicando claramente lo gótico y lo romántico.

Muchos de estos directores, como Fritz Lang, B. Wilder, o F. Zinnemann acaban en Hollywood haciendo cine negro, al que incorporan una herencia cultural propia muy concreta. 

Una de las películas más características de esta tendencia fue El Gabinete del Doctor Caligari (1919) de R. Wienne.

El cine europeo a partir de los años 40

La Nouvelle vague francesa

En 1958 irrumpen los directores de la llamada Nouvelle vague. François Truffaut (Los cuatrocientos golpes, 1959; Fahrenheit 451, 1966). Jean-Luc Godard (Al final de la escapada, 1959), Claude Chabrol, Louis Malle, Eric Rohmer, Alain Resnais (Hiroshima, mon ameur, 1959)… son algunos de los nombres más célebres. 

Neorrealismo italiano

A finales de la década de 1940, en Italia, el cine experimentó un renacimiento. Con la aparición del Neorrealismo el cine italiano logró captar la atención mundial y dio a conocer al gran público a varios de los principales directores italianos.
Visconti, autor de obras como Rocco y sus hermanos, partía de unos planteamientos más estéticos introduciendo un aliento poético en la realidad.


En la década de los cincuenta la tradición neorrealista siguió conservándose en autores como Pier Paolo Pasolini con El evangelio según San Mateo (1964) y Federico Fellini, con La dolce vita (1960) u Ocho y medio (1963).


Ya en los años setenta el cine italiano de Bernardo Bertolucci, autor Novecento (1976). Y la evolución de los viejos cineastas con Visconti en Muerte en Venecia (1971); Fellini con Roma (1972) y Amarcord (1973).

El cine británico. El Free cinema

Dada la proximidad cultura e idiomática de Gran Bretaña con Hollywood, éste fue el país europeo que más dejó sentir la influencia del gigante americano en su cinematografía. El trasvase de actores, directores y guionistas fue constante.
 
Actores británicos e irlandeses, como Julie Christie, Albert Finney, Glenda Jackson, Richard Harris, Peter O'Toole, Alec Guinness o Vanessa Redgrave se hicieron muy populares.

lunes, 6 de noviembre de 2017

5. CINE SONORO (1930-1949) (1945-1970)

El sistema de estudios

Como ya hemos comentado en Estados Unidos vieron el cine como un negocio que podía aportar beneficios económicos. Les interesaba tener muchos espectadores. Y para ello necesitaban rodar muchas horas. Por ello trasladaron a Hollywood los estudios, ya que el clima es mejor.


Durante los años 30 y 40, será la época dorada de Hollywood, se forjará un sistema de estudios (empresas que controlan todos los aspectos de la produccion cinematográfica)

El primer estudio surge en 1908, cuando diez importantes fabricantes de equipos cinematográficos se unieron para formar la Motion Picture Patents Company (MPPC). Arpovecharon que eran fabricantes para pedir pagos a los cineastas y a los cines. 


A partir de ese momento comienzan a surgir las grandes empresas cinematográficas. Ya en la primera década del siglo XX se fueron fundando las más importantes empresas de cine estadounidenses:


  • Universal Pictures
  • Fox Film Corporation (después conocida como la 20th Century Fox)
  • United Artists
  • Warner Bros.
  • Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
  • Columbia
  • Paramount
  • RKO

Poco a poco crecen al unirse a otras empresas para controlar todo el rodaje, la distribución y la exhibición.

La consolidación de estos núcleos empresariales permitió que los años 30 se convirtieran en la época dorada de los grandes estudios.


Durante este periodo, la industria cinematográfica norteamericana dominó el panorama mundial gracias a las grandes cantidades de dinero que eran invertidas en cine.


El control de la producción

En alguna ocasión una película fuera de los estudios llegaba a los cines, como pasó con el productor y director David O. Selznick, que logró sacar adelante Lo que el viento se llevó a través de su propia productora independiente.

El declive del sistema de los grandes estudios

En las décadas de 1950 y 1960 el sistema decayó con la llegada de la televisión, era gratis y estaba en las casas. Así que las productoras se adaptaron a realizar series y películas de peor calidad para la tele.

4. LA TRANSICIÓN DEL CINE AL MUNDO SONORO (1927-1928)


El final de la década de los veinte está marcado por la revolución que supuso la llegada del cine sonoro.A finales de los años 20 llegó el cine sonoro. 

La primera película sonora fue El Cantor de Jazz, de Alan Crossland. El 6 de octubre de 1927 los espectadores pudieron oir al actor Al Jolson cantando.

La productora Warner Bros estaba arruinada cuando hizo esta película, pero gracias a ella resurgió.

Al principio los críticos pensaban que el sonido quitaba realismo y expresión a los planos, pero pronto se impuso porque las historias eran más fáciles de entender. 

Muchos de los actores del cine mudo fueron despedidos por no tener una voz bonita, o un acento adecuado. Otros tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. 
https://www.youtube.com/watch?v=psua6GZAgcc

Hubo muchos cambios técnicos, se pasó a rodar en 24 fotogramas por segundo, así que hubo que invertir en cámaras nuevas. Que además tenían que ir muy bien sincronizadas entre la imagen y el sonido. 

Los guionistas pasaron a tener mucha importancia, porque se oían los diálogos. Muchos estudios contrataron periodistas o escritores famosos.

AUDIOVISUAL: "CHARLOT, MÚSICO AMBULANTE" O "EL VAGABUNDO"

Esta película muda estadounidense fue escrita, producida, dirigida y protagonizada por Charles Chaplin. Se estrenó en 1916

Ficha técnica
Duración    26 min.
País   Estados Unidos
Director Charles Chaplin 
Guion   Charles Chaplin
Montaje Charles Chaplin
Fotografía  William C. Foster, Roland Totheroh
Reparto   Vagabundo  Charles Chaplin 
                Chica Edna Purviance 
                Pintor  Lloyd Bacon 
Productora Lone Star Corporation / Mutual FilmGénero
Género Comedia / Cortometraje 

Argumento
Charlot es un vagabundo que toca el violín en la calle a cambio de unas monedas. Comienza huyendo de un bar porque unos músicos querían las monedas que consiguió.  
Charlot, a continuación, rescata a una guapa chica que vivía con sus parientes gitanos que la maltratan, y ambos escapan juntos.
Charlot la cuida muchísimo, la limpia y cocina para ella. Días después, un pintor se fija en la belleza de la chica y le hace un retrato. Charlot se siente celoso por ello, pero se aguanta.
En una exposición del pintor, una millonaria reconoce en el retrato a su hija, secuestrada cuando era una niña. El pintor la conduce hasta donde acampan los vagabundos y se la lleva con ella, quedando Charlot desolado. Aunque por poco tiempo, pues, por insistencia de la joven, regresan por él.


Podéis ver la película con subtítulos en:



Curiosidades históricas
La bella actriz Edna Purviance y Charlot se conocieron en 1915, cuando Chaplin buscaba una primera actriz. Fueron pareja sentimental entre 1915 y 1917 (aunque posteriormente esta relación continuaría de manera intermitente por varios años, según se cree).



Charlot se presentó a un concurso de imitaciones y ¡perdió!
Charles Chaplin era mu popular, había infinidad fans “Chaplinistas”. Tantos imitadores llevaron a que se cree un concurso nacional en Estados Unidos en el que se premiaba a quien mejor realizara la imitación. Durante uno de sus viajes a San Francisco a Chaplin le llegó la noticia de uno de éstos concursos, y seducido por la idea se inscribió de inmediato. Increíblemente el resultado fue desastroso, no pasó de la primera ronda y los jueces le dieron una de las peores calificaciones de su tanda.

 


martes, 24 de octubre de 2017

AUDIOVISUAL: GLADIATOR

Gladiator


Ficha técnica y artística

- Género: Acción / Drama / Romanos
- Nacionalidad: Gran Bretaña / USA
- Año: 2000
- Director: Ridley Scott
- Actores principales: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Oliver Reed, Richard Harris, Derek Jacobi, Djimon Hounsou y David Schofield.
- Productores: David H. Franzoni, Branko Lustig y Douglas Wick
- Guión: David H. Franzoni
- Fotografía: John Mathieson
- Música: Hans Zimmer y Lisa Gerrard
- Galardones principales: 5 Oscar, 4 BAFTA y 2 Globos de Oro.



Análisis histórico - Contexto


    La película está ambientada en la Roma Imperial, arrancando en el final de la vida del Emperador Marco Aurelio, con su victoria sobre los marcomanos cerca de Vindobona (año 180 d.C.); y muestra a continuación cómo su hijo, Cómodo, se convierte en el nuevo emperador. Con el emperador Cómodo comienza la época de decadencia conocida como Bajo Imperio.
    El personaje protagonista, Máximo, y todo lo que a este rodea, no existió en la realidad. Máximo, nacido en Emerita Augusta (actual Mérida) según la película, es sin embargo un personaje totalmente ficticio, aunque encarne unos valores muy repetidos en la tradición romana.
    La figura de Cómodo, está bastante bien retratada, prácticamente lo tacha de loco. Cómodo pretende desmantelar el Senado para hacerse con todo el poder.
Es cierto el hecho de que Cómodo bajaba a la arena. El emperador, haciendo honor a su título de “Hércules Romano” gustaba de participar en las luchas de gladiadores para mostrar su fuerza (lo que no sabemos es si eran injustas, tal como se muestra en la película).
En el “Making of” de Gladiator su director explica que quieren enseñar la colosal Roma de un modo muy creíble, buscando “mostrar la grandeza de Roma y a la vez su corrupción y decadencia”, los dos emperadores de la película son de algún modo la encarnación de estas dos ideas. Marco Aurelio se nos quiere comparar al emperador filósofo, el de la templanza y el buen gobierno y su hijo Cómodo con el emperador gladiador, de la locura y el descontrol.
Un aspecto aspectos muy bien caracterizado en la película es el ejército romano, del que se nos muestran destacamentos de infantería y caballería, armas de corto y largo alcance, máquinas de guerra, jerarquía de los mandos... con las características que podemos observar en cualquier libro de historia militar romana.

Localización y efectos especiales


    La tecnología es un elemento que hay que tener en cuenta a la hora de comparar
    Gladiator se filmó en tres localizaciones distintas: La primera de ellas fue el bosque inglés de Farhnam, donde se recreó la batalla con los germanos del principio de la película, que en realidad tuvo lugar en la actual Austria. El circo provinciano se creó en Marruecos, cerca de un poblado cuya arquitectura facilitó mucho el trabajo del equipo. Finalmente, la Roma Imperial fue recreada en Malta, una isla que conserva numerosos restos romanos, pero hubo que realizar un ingente trabajo para los decorados, especialmente con el Coliseo.
     Sin embargo, la informática aportó mucho a estos escenarios, especialmente al último, y la mayor parte de los edificios de los fondos en Roma no son reales. El Coliseo, por su parte, se recreó en un tamaño muy inferior al que luego se le dio gracias a los ordenadores, que además convirtieron los 2.000 extras de las gradas en los más de 50.000 que cabrían en el edificio original.


http://blogs.vandal.net/48283/vm/23003912122006

domingo, 8 de octubre de 2017

3. LAS PELÍCULAS MUDAS


3.1 Cine mudo estadounidense
En Estados Unidos se entendió el cine como un medio artístico de expresión e industria de los medios de comunicación. Los productores americanos darían un mayor metraje (duración) a las primeras películas desarrolladas a partir del cinematógrafo. Además de una mayor libertad artística a directores, autonomía a los primeros actores y actrices en cuanto a creación de papeles interpretativos. Como novedad se introdujo los nombres de los actores en los títulos de crédito. Como resultado siguió un periodo de expansión económica y artística en el cine de este país.


D.W.Griffith
Audiovisual: Griffith, el padre del cine moderno

El cineasta más influyente del periodo mudo en la naciente industria estadounidense fue el productor y director David Wark Griffith que en 1908 desarrolló la producción desde los estudios Biograph en Nueva York. Es considerado el padre de la sintaxis cinematográfica moderna por ser el inventor de las siguientes técnicas:      
  • El flash-back
  • El acercamiento del punto de vista de la cámara a la acción (planos medios y primeros planos).
  • El uso intencional de la profundidad de campo, planos paisajísticos de larga duración.
  • La técnica del montaje paralelo, con la que hace coincidir dos acciones en pantalla, alternando a través del montaje de planos de cada una de ellas, hasta que finalmente ambas acciones confluyan en una acción única (generalmente el rescate de alguna víctima inocente).
  • Utiliza la iluminación con fines dramáticos
  • Hace desenfoques creativos. Fade-in y fade-out

Volveremos a todas estas técnicas más adelante.


En 1915 comenzó a trabajar en “el nacimiento de una nación” película de 12 bobinas (dura más de tres horas). Es considerada como la primera obra maestra del cine. Es una mezcla espera de emoción, acción, combate y drama humano. 

Audiovisual: Como se hizo el nacimiento de una nación

Audiovisual: El nacimiento de una nación (1915) de D.W. Griffith
https://www.youtube.com/watch?v=YisiBXOWM8Y


El traslado a Hollywood
Entre 1915 y 1920 las grandes salas de cine proliferaron por todo el territorio americano. Hollywood sería la llamada meca del cine, donde productores y cineastas independientes como Cecil B. De Mille o Mack Jennet construyeron sus propios estudios. Se produjeron cientos de películas como respuesta a la demanda de las salas. La mayoría eran westerns, comedias de tortazos y resbalones y melodramas.

En este entorno surge un nuevo cómico británico cuyo nombre artístico era Charlie Chaplin.


Charlie Chaplin
Charles Spencer Chaplin era un cómico genial, éxito y leyenda comprende el dlenguaje audiovisual y taquillas.

Fue la primera estrella internacional y una leyenda viva desde su juventud, rompiendo con cada nueva producción los récords de taquilla anteriores. El personaje del vagabundo Charlot mezclaba de una forma única la comedia y la crítica social y el patetismo de la naturaleza humana.

Su personaje fue creciendo a lo largo de sus películas: El vagabundo (1915); Vida de perros (1918), El chico (1921), y La Quimera de oro (1925). Y El gran dictador (1940), primer filme hablado de Chaplin, una oportuna burla de los dictadores de aquella época

Audiovisual: mejores escenas de El chico
Audiovisual: El chico
Audiovisual: Tiempos modernos
Audiovisual El vagabundo
Audiovisual: Escena del gran dictador
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Búster Keaton
Joseph Francis Keaton nació en 1895, en (Kansas), falleciendo en Hollywood en 1966. Hijo de dos cómicos ambulantes. Apareció en escena cuando sólo contaba un año de edad.

En sus obras realizó bromas inolvidables que siguen gustando a cuantos las ven. Combinaba su rostro serio, con su cuerpo capaz de hacer cualquier acrobacia, realizando así situaciones divertidas, alocadas y a menudo absurdas.

Algunas de sus películas son verdaderas obras maestras, como El maquinista de la General (The General, 1927)

Audiovisual Cops (1922)

Audiovisual The Blacksmith (Full) - El Herrero (1922)

Audiovisual: El maquinista de la general